¿Qué fue lo que te hizo renunciar a la Fundación Mundo Nuevo y cuáles fueron tus razones?
Eso no ocurrió de un día para otro, fue resultado de una acumulación de experiencias. Mi alejamiento de la FMN, aunque por razones específicas y particulares, significa mi apartamiento de un mundo en el que no me siento ni cómodo ni feliz, hablo del llamado “mundo del arte”. En 1921, Francis Picabia escribió: “los marchands no propenden a la posteridad del arte sino a la propia”. Es sintomático que en ese momento en que el arte se independiza de todo canon los artistas estimen, como una trampa abierta, a la intermediación entre la gente y aquellos que producen. Las palabras de Picabia son hoy una realidad evidente que hace de la producción y difusión de arte una producción banal carente de metáfora posible. El llamado “arte contemporáneo” parece más un arte de ocurrencias que un arte de ideas.

¿Tu acción tuvo eco en otros artistas, espacios de arte, gestores? ¿Qué respuesta recibiste?
Subir mi trabajo a la Web no significa solamente cambiar el lugar de venta y difusión sino que implica una completa “acción de arte”. En verdad está indicando otra cosa que la obvia: señalar el malestar general que todos percibimos en el panorama actual del arte y la posibilidad de diseñar estrategias propias. Planteada así, la acción ha tenido una repercusión en los artistas y en la gente más que óptima. Lo que me lleva a dar un paso al costado es el deseo de mucha gente, estaba allí flotando hasta que alguien le pusiera un nombre y lo convirtiera en lo que es: una acción de arte.

En tu frondosa carrera, uno de los hilos conductores que une las obras, es lo humano, ¿podrías ampliar este concepto?
Arte es Humanidad. Nunca el arte, desde Altamira en adelante, estuvo exento de humanidad, tanto en sus manifestaciones de Bien como de Mal. La insistente presencia de la figura humana en mi trabajo es porque considero lo humano como uno de los más profundos misterios e intento desde diferentes puntos de vista no explicarlo sino dejarme iluminar por él. También me atrevo a decir que tu obra se manifiesta en la mirada de los retratos, ellos nos recuerdan, nos devuelven como un espejo imágenes internas, actúan de reveladores, aún con todos sus secretos.

¿Es una de tus búsquedas ahora?
Para los antiguos griegos la mirada era el transmisor de emociones y pensamientos. En el Renacimiento la importancia de la mirada se expande convertida en idea, en concepto. El invento de la Perspectiva (ver al través) es un buen ejemplo de la categórica ingerencia de la mirada. Ya no es un dios el que mira a través de todas las cosas sino es el hombre que establece que “la pintura es una cuestión mental” (Leonardo) y que se “puede pintar sin manos” (Miguel Ángel). Es el hombre el que pregunta y responde. Es el que mira independientemente de otras miradas. En el caso particular de mi trabajo las figuras siempre miran más allá, por encima del hombro del espectador, a través de éste. La mirada deviene anzuelo y carnada a la vez. Las figuras no miran, están para ser miradas.

Hay una frase que caracterizaba a Gorrriarena: ”un cuadro debe romper la pared”. ¿Cuál sería tu frase?
No. No me parece que un cuadro deba romper paredes que son justamente su soporte histórico. Creo que ya no se trata de “patear al burgués” que hoy, curiosamente, es la tendencia que más atrae al ávido coleccionista de “arte comprometido”. Prefiero esta otra propuesta de Matisse: un cuadro debe ser tan cómodo como un sofá.

¿Coleccionas obras de otros artistas?
Me gusta realizar intercambios con artistas que conozco y cuyo pensamiento me atraen. Cuando instalo en casa obras de otros artistas éstas se convierten en objetos de referencia y uso cotidiano. Mi sueño sería poder guardar en mi mesa de luz un pequeño dibujo de Paolo Uccelo.

Sé que sientes mucho placer enseñando, ¿cómo armas un seminario? ¿Actualmente en que ámbitos estas desarrollando esta tarea?
Enseñar es para mí una acción de arte. No programo en su totalidad estas acciones de Taller, parto de un detonante (generalmente la propuesta viene de la gente interesada), luego dejo que esa idea me ocupe, la desarrollo y a partir de allí dejo que en la acción se conforme el sentido. Desde hace dos años organizo en la localidad de La Cumbre, en las sierras de Córdoba, el Taller Nautilius. Es un taller libre y gratuito en donde el alumno es considerado como alguien que trae su saber pero no recuerda que lo posee. En dicho taller cada integrante se manifiesta en libertad teniendo en cuenta que la libertad es esa capacidad humana de ser uno mismo. El Taller Nautilius, su campamento base está en La Cumbre (todos los martes de 14 a 17 h) aunque de manera continua realice acciones en otros lugares del país: museos, escuelas de Bellas Artes, centros culturales, asociaciones civiles, etc.

¿Hay diferencias entre los artistas de los años de tus comienzos y los de hoy? ¿Cómo encaran ahora su situación, las posibilidades de desarrollo y de investigación?
La diferencia reside en lo que nosotros deseábamos que el arte sea un mundo, crear modelos de producción. Hoy me parece que los artistas, sometidos o no al poder de las galerías, los coleccionistas, las ferias, han perdido la cualidad de toda producción artística: la capacidad de diseñar y transmitir metáforas. Arte ya no es elaboración y representación de símbolos sino expresión de un éxito tan fugaz como la vida de un mosquito.

¿Qué cambiarías radicalmente en la profesión artística?
A los artistas.

Si recordamos la frase de André Gide, que el estilo es una “visión del mundo”, para encontrar tu estilo ¿te ayudó el hecho de vivir en varias provincias, en hermosos espacios alejados de la capital?
Mis cambios geográficos, algunos a la fuerza otros no, representan físicamente mis cambios de perspectiva. Me di cuenta de que en los centros urbanos me resultaba imposible vivir y crear según mis deseos. Si el estilo es una “visión del mundo” estamos diciendo también que el estilo depende de cual sea el punto desde el cual observamos el mundo. Otra vez la mirada como idea, como concepto. Creo que la ambigüedad es el sexo de la metáfora. Esto que ves no es lo que ves sino otra cosa.

De tus años vividos en Alemania, ¿hay algún recuerdo de Beuys, de tu investigación con él, te dejó una huella profunda?
Toda persona es artista.

¿Cuál es tu próximo proyecto?
Dejar la lanza y el escudo a un costado y cultivar mi propia salud, mi propia construcción de felicidad.

¿Qué les dirías a los artistas para que contribuyan a desarrollar su profesión?
Hoy, casi sesenta años después que Beuys estableciera las pautas del “concepto ampliado del arte” creo necesario que los artistas, avanzando con la historia, ampliemos el concepto de nuestro oficio, es decir saber imaginar, saber producir aquello que imagino, saber difundir eso que produzco y finalmente saberlo comercializar.

Remo Bianchedi, artista visual argentino, reside en la provincia de Córdoba en Argentina y dirige el proyecto AcciónNautilius. http://www.mapadelasartes.com/artistas/remobianchedi/biografia.